Créer un portfolio de design

Pour les étudiants en design, le portfolio est bien plus qu’un simple recueil de travaux : c’est une vitrine de leur talent, de leur créativité et de leur évolution. Que vous soyez spécialisé en graphisme, en design d’intérieur, en mode ou en design industriel, un portfolio bien conçu est essentiel pour attirer l’attention des employeurs et des clients potentiels. Dans cet article, nous vous guidons à travers les étapes clés pour créer un portfolio qui vous permettra de vous démarquer. 

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Pourquoi un portfolio est-il important ? 

Le portfolio est souvent la première impression que vous laissez à un employeur ou à un client. Il doit refléter non seulement vos compétences techniques, mais aussi votre sens esthétique et votre capacité à résoudre des problèmes de design. Un portfolio efficace peut ouvrir des portes, offrir des opportunités et servir de carte de visite professionnelle. 

Étapes pour créer un portfolio réussi 

1. Sélectionner vos meilleurs travaux

La première étape consiste à sélectionner vos projets les plus impressionnants et les plus pertinents. Il vaut mieux présenter quelques projets de qualités que de nombreux projets médiocres. Choisissez des travaux qui montrent une diversité de compétences et de styles, et qui démontrent votre capacité à répondre à différents types de défis de design. 

2. Organiser les projets de manière cohérente

Une fois vos projets sélectionnés, il est crucial de les organiser de manière logique et cohérente. Pensez à la narration, votre portfolio doit raconter une histoire. Commencez par une introduction qui présente brièvement qui vous êtes et ce que vous faites. Ensuite, structurez vos projets de façon à montrer votre progression et votre développement en tant que designer. 

3. Présenter les projets de manière professionnelle

Chaque projet doit être présenté de manière claire et professionnelle. Incluez des images de haute qualité, des descriptions détaillées et, si possible, des croquis ou des étapes de développement pour montrer votre processus créatif. Expliquez les objectifs de chaque projet, les défis rencontrés et comment vous les avez surmontés. Cela donne un aperçu de votre approche et de votre réflexion. 

4. Utiliser un design attrayant et cohérent

Votre portfolio lui-même doit être un exemple de votre sens du design. Utilisez une mise en page attrayante, des typographies lisibles et une palette de couleurs cohérente. Assurez-vous que le design du portfolio ne distrait pas du contenu, mais le met en valeur. La navigation doit être intuitive et fluide. 

5. Digitaliser votre portfolio

À l’ère numérique, il est indispensable d’avoir un portfolio en ligne. Utilisez des plateformes comme Behance, Dribbble, ou créez votre propre site web. Un portfolio en ligne est facilement accessible et peut être partagé rapidement. Assurez-vous que votre site est responsive et fonctionne bien sur tous les appareils. 

6. Personnaliser votre portfolio pour chaque opportunité

Lorsque vous postulez pour un emploi ou présentez votre travail à un client potentiel, personnalisez votre portfolio en fonction de l’opportunité. Mettez en avant les projets les plus pertinents pour le poste ou le client en question. Cela montre que vous avez fait des recherches et que vous êtes vraiment intéressé. 

Conseils et meilleures pratiques 

Mettez à jour régulièrement : Votre portfolio doit évoluer avec vous. Ajoutez de nouveaux projets et retirez ceux qui sont obsolètes. 

Soyez critique : N’ayez pas peur de demander des avis extérieurs. Des retours constructifs peuvent grandement améliorer la qualité de votre portfolio. 

Soyez authentique : Votre portfolio doit refléter votre personnalité et votre style unique. Ne cherchez pas à imiter les autres ; soyez vous-même. 

Préparez une version physique : Bien que le numérique soit crucial, avoir une version imprimée de votre portfolio peut être utile lors des entretiens ou des présentations. 

Créer un portfolio de design est un exercice essentiel pour tout étudiant en design. C’est une opportunité de montrer vos compétences, de raconter votre histoire et de démontrer votre potentiel. En suivant ces étapes et conseils, vous serez en mesure de créer un portfolio qui vous aidera à vous démarquer et à atteindre vos objectifs professionnels.  

L’assistance offerte par EFET STUDIO CRÉA dans la création de portfolios enrichit encore davantage votre expérience étudiante et renforce votre préparation pour une carrière réussie dans le domaine du design. 

Fusion du Design Scandinave et Japonais 

Le Japandi est un style de design intérieur qui fusionne l’élégance épurée du design japonais avec le confort chaleureux du design scandinave. Né de la rencontre de deux cultures différentes mais complémentaires, ce mouvement offre une esthétique minimaliste et fonctionnelle, créant des espaces harmonieux et apaisants.  

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Origines et Influence 

 Le design scandinave, apparu dans les années 1950 en Europe du Nord, est reconnu pour sa simplicité, sa fonctionnalité et son utilisation de la lumière naturelle. Inspiré par la nature, il privilégie les matériaux comme le bois clair et les textiles doux. Ce style crée des espaces confortables et accueillants, avec un mobilier aux lignes épurées et des couleurs neutres.  

Le design japonais, basé sur la philosophie Zen, met l’accent sur la simplicité, l’harmonie et la connexion avec la nature. Les intérieurs japonais sont minimalistes, avec peu de meubles et une décoration sobre. Les matériaux comme le bambou, le papier washi et le bois sont courants, tout comme les couleurs neutres et terreuses. Les principes du wabi-sabi, qui valorisent la beauté de l’imperfection et de la simplicité, sont essentiels à ce style.  

Le Japandi émerge de la combinaison de ces deux philosophies de design. Ce mouvement prend les éléments les plus appréciés de chaque style pour créer des intérieurs à la fois esthétiques et fonctionnels. Le résultat est un équilibre parfait entre chaleur scandinave et sérénité japonaise. 

Caractéristiques Principales du Japandi 

 Le Japandi célèbre le minimalisme, où chaque élément a un but précis, favorisant la fonctionnalité et une esthétique épurée. Les matériaux naturels tels que le bois, le bambou et le lin sont essentiels, offrant chaleur et authenticité à chaque espace. L’artisanat est mis en valeur, avec une préférence pour les meubles et les décorations faits à la main, reflétant une qualité durable et une attention aux détails. La simplicité et la fonctionnalité guident chaque choix de décoration, privilégiant les lignes épurées et les formes géométriques pour une élégance intemporelle. Les tons neutres dominent la palette de couleurs Japandi, créant une ambiance sereine avec des nuances de beige, gris, blanc cassé et taupe. Des touches subtiles de couleurs profondes comme le vert foncé ou le bleu marine ajoutent de la profondeur et du contraste, tout en restant en harmonie avec l’esthétique globale. Inspirées par la nature, les couleurs reflètent les paysages scandinaves et japonais, renforçant ainsi la connexion avec l’extérieur.  

Le Japandi incarne une fusion raffinée du design scandinave et japonais, alliant chaleur, fonctionnalité et simplicité. Idéal pour ceux en quête d’harmonie entre confort, esthétique et lien avec la nature, ce mouvement offre des intérieurs apaisants et accueillants.  

EFET Studio Créa, une école de design, s’intéresse aux tendances actuelles comme le Japandi. En encourageant ses étudiants à explorer ces nouvelles approches, l’école les prépare à être créatifs et à répondre aux demandes de l’industrie du design. 

2 prix au concours national du club des DA !

Les étudiants d’EFET STUDIO CREA remportent deux prix au concours national du Club des DA

Le Club des DA a dévoilé son 55e palmarès lors de la cérémonie de remise des prix, qui s’est tenue ce mercredi 5 juin au Palais d’Iéna. Cette compétition annuelle, reconnue pour son exigence et sa qualité, a cette année mis en lumière le talent et la créativité des étudiants d’EFET STUDIO CREA.

Les étudiants d’EFET STUDIO CREA du campus Eductive Lilenium ont brillé au concours national du Club des Directeurs Artistiques (DA), en décrochant la 1ère place. Le premier prix a été attribué pour leur projet innovant « Come and Celebrate Together », tandis que le deuxième prix est revenu au projet « La Maison: The Place To ».

Le projet « Come and Celebrate Together » a été particulièrement salué pour son originalité et son impact. Sélectionné pour promouvoir la Pride House lors des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024, il incarne les valeurs de diversité et d’inclusion que cet événement cherche à promouvoir.

En plus de cette distinction, les étudiants ont également remporté la deuxième place pour un autre projet présenté lors de la compétition, démontrant ainsi leur capacité à exceller sur plusieurs fronts.

Ces succès témoignent non seulement du talent des étudiants, mais aussi de la qualité de l’enseignement dispensé à EFET STUDIO CREA, qui continue de former les créateurs et les communicants de demain.

Les Maîtres de l’Architecture Intérieure 

L’architecture intérieure est un domaine où la créativité et la fonctionnalité se rencontrent pour transformer les espaces de vie et de travail. Certains designers se sont distingués par leur vision innovante et leur capacité à créer des environnements uniques et inspirants.  

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Kelly Wearstler  

Kelly Wearstler est une architecte d’intérieur américaine célèbre pour son style audacieux et éclectique. Ses créations mélangent luxe, modernité et une touche artistique unique. 

 Contributions majeures 

• Hôtels de luxe : Kelly a redéfini le design des hôtels avec des projets comme le Viceroy à Santa Monica et le Proper Hotel à San Francisco. Elle utilise des matériaux riches et des palettes de couleurs vibrantes pour créer des espaces mémorables. 

• Maisons de rêve : Ses projets résidentiels, comme les maisons de célébrités à Beverly Hills, combinent des éléments classiques et modernes avec une attention particulière aux détails et à l’originalité. 

• Lignes de mobilier : Kelly a également lancé sa propre ligne de mobilier et d’accessoires, permettant à un public plus large de découvrir son style distinctif. 

Ilse Crawford 

Ilse Crawford est une architecte d’intérieur britannique qui se concentre sur la création d’espaces favorisant le bien-être et la convivialité. Sa philosophie place l’humain au cœur du design. 

Contributions majeures 

• Espaces accueillants : Ilse a conçu des lieux comme le Soho House à New York et à Berlin, qui combinent confort et fonctionnalité pour créer des environnements accueillants et relaxants. 

• Design humain : Elle utilise des matériaux naturels et durables, créant des espaces qui sont non seulement esthétiques mais aussi bénéfiques pour la santé mentale et physique des occupants. 

• Enseignement et influence : En tant que fondatrice du département de design d’intérieur à l’Académie du Design d’Eindhoven, Ilse a formé une nouvelle génération de designers à penser le design de manière holistique et centrée sur l’humain. 

Jean-Louis Deniot  

Jean-Louis Deniot est un architecte d’intérieur français connu pour ses intérieurs sophistiqués et élégants. Son style intemporel et son goût pour les détails raffinés en font une figure majeure du design contemporain. 

Contributions majeures` 

• Projets internationaux : Jean-Louis a travaillé sur des projets prestigieux à travers le monde, de Paris à New York, en passant par Mumbai et Istanbul. Chaque espace qu’il crée est une fusion harmonieuse de l’ancien et du nouveau. 

• Résidences luxueuses : Ses intérieurs résidentiels, comme les appartements parisiens et les villas californiennes, sont réputés pour leur raffinement et leur élégance. Il utilise des textures riches, des motifs subtils et des palettes de couleurs sobres pour créer des ambiances luxueuses. 

• Collaborations et collections : Jean-Louis a collaboré avec des marques de renom pour créer des collections de mobilier et d’objets décoratifs, apportant son sens unique du style à un public plus large. 

Kelly Wearstler, Ilse Crawford et Jean-Louis Deniot ont chacun apporté des contributions majeures à l’architecture intérieure, transformant nos espaces de vie et de travail en environnements inspirants et fonctionnels. Leur travail continue d’inspirer des générations de designers à innover et à créer des espaces qui enrichissent nos vies. Ces maîtres de l’architecture intérieure montrent que la créativité et la vision peuvent véritablement changer notre manière de vivre et d’interagir avec notre environnement. 

À l’École EFET Studio Créa, ces influences et enseignements sont intégrés pour former les designers de demain, prêts à réinventer nos espaces de vie. 

La remise de diplôme EFET STUDIO CRÉA 2024

Le métier de directeur artistique

Le métier de directeur artistique est bien plus qu’une simple profession, c’est une vocation qui allie passion pour l’art, sensibilité esthétique et vision créative. Ce professionnel est chargé de donner vie à des concepts visuels et de superviser la création d’éléments graphiques et artistiques pour divers projets, allant de la publicité aux médias numériques en passant par l’édition et le cinéma.  

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La vision créative du directeur artistique 

Le directeur artistique est le maître d’œuvre derrière les campagnes publicitaires, les designs de sites web et les visuels accrocheurs qui imprègnent notre quotidien. Son rôle va bien au-delà de la simple création visuelle, il s’agit d’interpréter les besoins du client, de comprendre son public cible et de traduire ces informations en concepts visuels saisissants. Le directeur artistique travaille en étroite collaboration avec une équipe de designers graphiques, d’illustrateurs, de photographes et de vidéastes pour donner vie à ses idées. Il est le chef d’orchestre de la créativité, guidant chaque étape du processus de création, de la conception initiale à la réalisation finale. 

Les compétences et qualités essentielles 

Pour exceller en tant que directeur artistique, il faut plus qu’une simple expertise technique, il faut également posséder une sensibilité artistique aiguisée, une capacité à communiquer efficacement et une aptitude à inspirer et à motiver les membres de son équipe. La créativité, la flexibilité et un œil attentif aux détails sont des qualités essentielles dans ce domaine. De plus, une bonne connaissance des tendances actuelles en design et en culture visuelle est indispensable pour rester pertinent et innovant. En somme, le directeur artistique est à la fois un artiste, un stratège et un leader, capable de transformer des idées abstraites en réalités visuelles concrètes. 

Le métier de directeur artistique est un métier exigeant mais extrêmement gratifiant pour ceux qui ont une passion pour l’art et le design. En tant que chef d’orchestre de la créativité, le directeur artistique joue un rôle crucial dans la création de visuels puissants qui captent l’attention et suscitent l’émotion. Si vous êtes animé par la créativité et que vous aspirez à une carrière qui allie vision artistique et innovation, le métier de directeur artistique pourrait être fait pour vous.  

Le programme de Design Graphique et Numérique à l’École EFET STUDIO CRÉA forme les futurs directeurs artistiques en combinant expertise technique et sensibilité artistique 

Trois grands designers qui ont transformé le monde 

Le monde du design est vaste et en constante évolution, touchant des domaines aussi variés que le graphisme, l’architecture et le design industriel. Certains créateurs se sont démarqués par leur capacité à innover, à repousser les limites et à marquer de leur empreinte l’histoire du design.  

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Dieter Rams  

 Dieter Rams est un designer industriel qui a laissé une empreinte indélébile sur le design moderne. Travaillant principalement pour Braun, une entreprise allemande d’appareils électroménagers, Rams a défini des principes de conception qui continuent d’influencer les designers contemporains. Sa philosophie « moins mais mieux » (« Weniger, aber besser ») est devenue une référence incontournable. 

Contributions majeures : 

• Les dix principes du bon design : Ces principes, tels que l’innovation, l’utilité, l’esthétique et la durabilité, guident les designers vers une conception épurée et fonctionnelle. 

• Les produits Braun : Des créations comme le tourne-disque SK 4 et la calculatrice ET 66 sont des exemples de son approche minimaliste et fonctionnelle. 

• Influence sur Apple : Les produits Apple, notamment ceux conçus par Jony Ive, ont été fortement influencés par l’esthétique et les principes de Rams. 

Rams a su imposer une vision du design épuré et fonctionnel, faisant de lui un pionnier du design industriel moderne. 

Paula Scher  

 Paula Scher est une graphiste et artiste de renommée mondiale. En tant que partenaire chez Pentagram, l’une des agences de design les plus respectées au monde, Scher a révolutionné le design graphique avec ses typographies audacieuses et ses concepts visuels puissants. 

Contributions majeures : 

• Identité visuelle de The public theater : Son travail pour ce théâtre de New York est devenu un modèle de branding culturel, alliant typographie dynamique et impact visuel fort. 
• Campagnes pour Citibank et Tiffany & Co. : Scher a redéfini l’identité visuelle de grandes marques, apportant une modernité et une clarté qui perdurent. 

• Travaux de typographie : Ses affiches et ses travaux typographiques sont célébrés pour leur innovation et leur influence sur le design graphique contemporain. 

Scher a su imposer une vision audacieuse et créative du design graphique, faisant d’elle une figure incontournable de ce domaine. 

Philippe Starck  

 Philippe Starck est un designer aux multiples facettes, connu pour ses créations qui vont du mobilier aux intérieurs d’hôtels en passant par les gadgets technologiques. Starck est célèbre pour son approche éclectique et son désir de rendre le design accessible à tous. 

Contributions majeures : 

• Mobilier iconique : Des pièces comme la chaise Louis Ghost pour Kartell et le presse-agrumes Juicy Salif pour Alessi sont devenues des icônes du design contemporain. 

• Design intérieur : Starck a conçu des intérieurs d’hôtels renommés, tels que le Royalton et le Hudson à New York, ainsi que le Mondrian à Los Angeles, alliant luxe et originalité. 

• Design écologique : Connu pour son engagement en faveur de la durabilité, il a développé des projets comme le mobilier en matériaux recyclés et des produits respectueux de l’environnement. 

Starck a su combiner fonctionnalité, esthétique et accessibilité, créant des objets qui transcendent les frontières du design traditionnel. 

Dieter Rams, Paula Scher et Philippe Starck ont chacun apporté des contributions majeures à leurs domaines respectifs, transformant le design industriel, le design graphique et le design de produits. Leur héritage perdure, inspirant des générations de designers à innover et à repousser les limites du possible. Ces maîtres du design ont prouvé que la créativité et la vision peuvent véritablement changer le monde. 

L’EFET STUDIO CRÉA propose un parcours professionnalisant en Design Graphique & Numérique.?La pédagogie de l’école favorise les périodes en entreprise permettant aux étudiants de commencer à construire leur carrière pendant leurs études. 

Interview avec un ancien étudiant d’EFET STUDIO CRÉA

Découvrez le parcours d’un de nos anciens étudiants Vincent qui a étudié en design architecture d’intérieur !

Aujourd’hui responsable du pôle Architecture d’Intérieur et Décoration chez CHHO Studio, Vincent a suivi une reconversion professionnelle. En trois ans, il a décroché son bachelor et ses Mastères en Architecture d’Intérieur et en Design, faisant preuve de détermination et de talent.

Pour découvrir toutes nos formations : https://www.efet-studiocrea.com/ 

Le Revival des Styles Vintage dans le Design Intérieur Moderne

Le design intérieur est un domaine en constante évolution, où les tendances du passé trouvent souvent une nouvelle vie dans les intérieurs contemporains. Ces dernières années, le revival des styles vintage a pris d’assaut le monde du design, avec une résurgence des influences rétro des années 60, 70 et même 80. Découvrez comment ces styles intemporels sont réinterprétés dans les espaces modernes et comment vous pouvez intégrer cette tendance chez vous. 

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Le charme intemporel du design rétro 

Les années 60 et 70 ont introduit des formes audacieuses, des couleurs vives et des motifs géométriques dans le design intérieur. Ces éléments rétro apportent une touche de nostalgie et de chaleur aux espaces modernes, créant une ambiance à la fois réconfortante et stylée.  Les meubles aux lignes épurées, les chaises en forme d’œuf et les canapés modulaires sont des exemples emblématiques du design des années 60 et 70. Associés à des couleurs vives comme l’orange, le turquoise ou le jaune moutarde, ces éléments créent un contraste frappant dans les intérieurs contemporains. 

Pour en savoir plus sur l’esthétique rétro, consultez House Beautiful sur le retour en force du design des années 60 et 70. 

La réinterprétation du vintage dans les intérieurs modernes 

L’intégration réussie du vintage dans un intérieur moderne repose sur l’équilibre et la fusion des styles. L’objectif est de mélanger habilement les éléments rétro avec des pièces contemporaines pour créer un look harmonieux et équilibré. Combinez un canapé vintage avec une table basse moderne, ou optez pour des luminaires rétro dans un intérieur minimaliste. Cette combinaison crée un intérêt visuel tout en conservant l’élégance et la fonctionnalité. 

Découvrez comment mélanger les styles vintage et moderne avec goût sur Architectural Digest sur la fusion des époques dans le design intérieur. 

Les matériaux et textures vintage à l’honneur 

Les matériaux et textures vintage apportent une touche d’authenticité et de chaleur aux intérieurs modernes. Le bois brut, le rotin, le laiton et le velours sont quelques-uns des matériaux phares des décennies passées qui font un retour en force aujourd’hui. Le bois brut et le rotin évoquent l’artisanat traditionnel et apportent une sensation de chaleur et d’authenticité. Le laiton, quant à lui, ajoute une touche d’élégance et de luxe, tandis que le velours apporte une texture riche et tactile. 

Pour en savoir plus sur l’utilisation des matériaux vintage dans le design intérieur moderne, utilisez Dwell pour es matériaux tendance du design rétro. 

 Le revival des styles vintage offre une palette riche et variée pour créer des espaces uniques et personnels. Que vous soyez attiré par l’esthétique rétro des années 60 et 70 ou que vous préfériez les touches subtiles du vintage, l’inspiration est infinie pour créer des intérieurs qui racontent une histoire et reflètent votre personnalité. 

 En formant les futurs architectes d’intérieur, l’école EFET STUDIO CRÉA  guide les étudiants vers une maîtrise experte des outils et techniques essentiels, les préparant ainsi à exceller dans le domaine de l’architecture intérieure. 

L’architecture intérieure dans les appartements haussmanniens : entre tradition et modernité

Les appartements haussmanniens, emblématiques du paysage architectural parisien, offrent un cadre riche en histoire et en élégance. Ces espaces spacieux et lumineux sont souvent rénovés pour allier le charme du XIXe siècle à des aménagements modernes. L’architecture intérieure dans les appartements haussmanniens joue ainsi un rôle essentiel pour créer des espaces de vie harmonieux et fonctionnels. Découvrons ensemble comment marier tradition et modernité dans ces habitats emblématiques. 

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Caractéristiques des appartements haussmanniens 

 Les appartements haussmanniens sont reconnaissables à leurs caractéristiques architecturales uniques, telles que les hauts plafonds, les grandes fenêtres, les moulures, les cheminées et les parquets en bois massif. Ces éléments apportent une touche de charme et d’élégance à chaque pièce, créant une atmosphère chaleureuse et accueillante. 

Il est essentiel de respecter l’architecture originale de l’appartement en préservant les éléments historiques tels que les moulures, les cheminées et les parquets. Ces détails contribuent au charme intemporel de l’espace et méritent d’être mis en valeur. Pour plus d’inspiration sur la rénovation d’appartements haussmanniens, vous pouvez consulter avierlemoine.com, un site dédié à l’architecture intérieure avec des conseils et des exemples de rénovations réussies. 

Moderniser les équipements et les aménagements 

Pour rendre l’appartement haussmannien confortable et fonctionnel, il est recommandé de moderniser les équipements et les aménagements. Cela peut inclure l’installation d’une cuisine contemporaine, la mise en place d’un système de chauffage efficace ou la création d’espaces de rangement intégrés. 

L’architecture intérieure dans les appartements haussmanniens permet d’explorer les contrastes entre l’ancien et le moderne. Vous pouvez, par exemple, associer des meubles design à des éléments d’époque ou utiliser des couleurs vives et audacieuses pour dynamiser un décor classique. Pour trouver des idées créatives pour la rénovation d’appartements haussmanniens, vous pouvez consulter https://www.lamaisonsaintgobain.fr/guides-travaux/renovation-appartement/renover-appartement-haussmannien-conseils un blog qui propose des conseils pratiques et des idées créatives. 

Ils offrent souvent de grands volumes, mais peuvent parfois manquer de fonctionnalité. L’optimisation de l’espace est donc essentielle pour créer des zones bien définies et maximiser l’utilisation de chaque mètre carré. 

L’architecture intérieure dans les appartements haussmanniens offre un terrain fertile pour l’expression créative et l’innovation. En respectant l’histoire et le caractère unique de ces espaces, tout en intégrant des éléments modernes et fonctionnels, il est possible de créer des intérieurs à la fois élégants, confortables et intemporels. Pour découvrir les tendances actuelles en matière d’architecture intérieure et de design à Paris, vous pouvez également consulter https://www.architectesparis.com/blog, une source d’inspiration pour les amateurs de design et de décoration. 

L’école EFET STUDIO CRÉA offre des formations en design d’architecture intérieure avec une approche pédagogique axée sur la pratique et l’expérience, permettant aux étudiants de développer des compétences solides dans ce domaine.