L’EFET STUDIO CRÉA vous propose une sélection d’expositions parisiennes à ne pas manquer. Vivez des expériences inédites et laissez-vous emporter par la créativité ! 

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« Formes » – Yves Saint Laurent  

Du 9 juin 2023 au 14 janvier 2024 – Musée Yves Saint Laurent, 5 avenue Marceau, 75116 Paris  

 En utilisant une mise en scène unique, Claudia Wieser établit un dialogue avec les pièces textiles et les œuvres graphiques issues des collections du Musée Yves Saint Laurent. L’exposition met en avant environ quarante modèles, qu’ils soient issus de la haute couture ou du prêt-à-porter, des accessoires et des croquis. Ces éléments résonnent harmonieusement avec les décors et les créations de l’artiste allemande. 

« Le souffle de l’architecte » 

Du 9 décembre 2023 au 21 avril 2024 – Fondation Cartier pour l’art contemporain, 261 boulevard Raspail, 75014 Paris 

L’exposition a été spécialement conçue pour la Fondation Cartier par l’architecte Bijoy Jain du Studio Mumbai en Inde. Elle explore les liens entre l’art, l’architecture et les matériaux, créant un espace de rêverie en harmonie avec le bâtiment de Jean Nouvel. L’objectif est de saisir la sensorialité de l’architecture, notre relation intuitive aux éléments et notre lien émotionnel avec l’espace.

« Les Aliénés du Mobilier national, le retour ! » 

Du 11 octobre 2023 au 7 janvier 2024 – Mobilier national, 42 avenue des Gobelins, 75013 Paris 

Dans une initiative novatrice et respectueuse de l’environnement, le Mobilier national a décidé de confier certaines de ses pièces à des artistes plasticiens. Pour la deuxième édition des « Aliénés », trente-neuf créateurs contemporains ont ainsi bénéficié d’une totale liberté artistique pour réinterpréter, à leur manière, du mobilier ancien de faible valeur patrimoniale, permettant ainsi son intégration au sein des collections du Mobilier national.

« L’art des charpentiers japonais » 

Du 18 octobre 2023 au 27 janvier 2024 – Maison de la culture du Japon, 101bis, Quai Branly, 75015 Paris 

Cette exposition révèle un aspect peu connu de la culture japonaise : l’expertise en architecture traditionnelle en bois. En collaboration avec le Takenaka Carpentry Tools Museum, elle met en avant trois dimensions spécifiques : les charpentiers dômiya-daiku spécialisés dans les temples et sanctuaires, les bâtiments de style sukiya privilégiant la fragilité et les matériaux naturels, ainsi que la technique d’assemblage kigumi sans clous ni vis.

« Mike Kelley: Ghost and Spirit »

Du 13 octobre 2023 au 19 février 2024– Bourse de Commerce Pinault Collection, 2 rue de Viarmes, 75001 Paris

Mike Kelley fut l’un des artistes plasticiens les plus influents des États-Unis à la fin du XXe siècle, inspiré par la culture punk et underground. Deux décennies après son décès, la Collection Pinault revisite son travail qui est à la fois subversif, inventif et impossible à classer. Des villes miniatures sous cloche (kandors), des sculptures à l’humour grinçant et des jouets en peluche grand format soulignant les excès de la société de consommation sont présentés.

L’EFET STUDIO CRÉA offre des formations complètes pour vous immerger dans les métiers passionnants de l’architecture d’intérieure et du design graphique & numérique. Développez vos compétences créatives et donnez vie à vos aspirations professionnelles avec des programmes conçus pour s’épanouir dans ces domaines dynamiques.  

L’EFET STUDIO CRÉA a récemment organisé un workshop captivant orchestré par Joan DASTARAC, Art Director et co-fondateur de ELVIS PARIS. Nous avons eu la chance de discuter avec lui pour comprendre les motivations qui ont guidé le choix de ce workshop typographie Corporate Design unique et les avantages qu’il offre aux étudiants. 

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Un sujet choisi avec soin  

Pour Joan DASTARAC, la sélection du projet de refonte de l’identité visuelle des institutions culturelles comme choix de sujet n’est pas le fruit du hasard. Parmi les institutions proposées aux étudiants figuraient des noms emblématiques tels que La Gaité Lyrique, Le Forum des Images et Le Mac Val. Ces piliers culturels sont renommés pour leurs programmations variées incluant spectacles vivants, concerts, cinéma et art contemporain. 

Il ajoute “Les institutions culturelles, et surtout deux d’entre-elles, changent souvent, presque tous les 10 ans, suite à un changement de positionnement, de direction, ou simplement pour rafraichir leur identité, contrairement aux institutions/marques du privé qui ont des identités plus pérennes. C’est pour cette raison que je voulais un sujet qui projette les étudiants dans leur futur professionnel, c’est un brief probable qu’ils pourraient avoir à l’avenir.” 

Un workshop, plusieurs objectifs 

Ce workshop offre aux étudiants une expérience singulière au cœur de la complexité de la création d’identité visuelles pour des institution culturelles. Joan souligne avec insistance l’importance de plonger dans le territoire de marque, un domaine qui englobe le positionnement, les valeurs et les fonctions. Cette immersion permet aux étudiants de concevoir une identité visuelle en parfaite adéquation avec ces éléments, définissant ainsi un système graphique pertinent et captivant.  

Au- delà de la théorie, le workshop se concentre sur des livrables concrets attendus dans le monde professionnel. La réalisation d’une charte graphique complète, la création de la papeterie, du site web, des affiches, et bien d’autres éléments, représentent un aspect crucial du projet. Cette approche pragmatique offre aux étudiants une opportunité tangible d’acquérir une méthodologie solide, les guidant depuis la phase d’analyse jusqu’à la présentation, tout en explorant les aspects techniques et pratiques liés aux domaines du print et du digital.  

En enrichissant leur portfolio avec cette étude de cas spécifique, déployée de manière cohérente sur divers supports de communication actuels, les étudiants renforcent leur légitimité professionnelle. Cette démarche démontre leur savoir-faire aux yeux de futurs employeurs, témoignant de leur capacité à créer des identités visuelles percutantes et fonctionnelles. Ainsi, le workshop se révèle être bien plus qu’une simple expérience académique?; il représente une passerelle vers la réussite professionnelle et reconnaissance dans le domaine du design graphique.

Une belle réussite 

Joan DASTARAC évolue positivement les livrables des étudiants “Globalement, le niveau est bon pour un début de 3eme année, Il y a eu de très beaux projets, c’est prometteur pour l’avenir. Il faudra veiller à être précis, rigoureux et exigent, tout en continuant à aiguiser son regard, sa culture et sa curiosité !” 

Et c’est un autre objectif des workshops, permettre aux étudiants d’évaluer leur niveau par rapport à leurs pairs et identifier des axes d’amélioration pour leurs futurs projets. 

Rejoindre l’EFET STUDIO CRÉA, c’est s’immerger dans un environnement éducatif dynamique où l’innovation et la créativité s’expriment pleinement. Avec des ateliers spécialisés tels que le Workshop de Typographie Corporate Design, vous aurez l’opportunité unique de perfectionner vos compétences en design graphique et de sculpter votre identité créative au sein d’une communauté passionnée. 

Lorsque vous parcourez les allées des supermarchés, faites des achats en ligne ou recevez un colis à la maison, il est probable que le design du packaging joue un rôle important dans votre expérience d’achat. L’emballage des produits que nous achetons a évolué bien au-delà de ses simples fonctions de protection et de stockage. Ils sont devenus une toile sur laquelle les marques peignent leur identité, racontent une histoire et cherchent à se différencier de leurs concurrents. Explorons l’art de la conception de packaging, en passant par l’importance de l’esthétique, de la fonctionnalité, de la communication de la marque et de l’impact environnemental.  

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L’importance du design des packagings 

 Le design de packaging est une discipline complexe qui repose sur de nombreux éléments interconnectés. La cohérence avec l’identité de la marque est l’un des premiers facteurs à prendre en compte. Le design doit être cohérent avec les couleurs, les polices, les logos et les éléments visuels caractéristiques de la marque. Une marque qui se concentre sur la santé et la naturalité par exemple utilisera probablement des couleurs et des images apaisantes de la nature, tandis qu’une marque qui se concentre sur l’innovation utilisera probablement des designs modernes et audacieux.  

Le packaging doit être fonctionnel, en protégeant efficacement le produit, et facile à utiliser et ouvrir. Par exemple, un emballage qui rend difficile l’accès au contenu peut rapidement frustrer le client.  

De plus, il doit contenir la liste des ingrédients, les instructions d’utilisation, les dates de péremption et les informations nutritionnelles (pour les produits consommables). Cependant, ces éléments doivent être visibles sans surcharger le design, ce qui peut être difficile pour les concepteurs.  

Enfin, la durabilité est devenue un critère de choix pour de nombreux consommateurs, incitant les marques à adopter des matériaux et des pratiques respectueux de l’environnement. Les packaging recyclables, biodégradables ou réutilisables sont de plus en plus populaires. 

Tendances actuelles en design de packaging 

 Le domaine du design de packaging est en constante évolution et les tendances changent au fil du temps. Le minimalisme gagne en popularité parmi les tendances actuelles. La simplicité, la sophistication et la fonctionnalité sont mis en avant dans les designs épurés. Les couleurs neutres, les formes géométriques simples et une utilisation réduite d’images et de textes sont souvent associés au minimalisme. Ces styles dégagent une sensation de modernité et de pureté.  

De plus en plus de consommateurs sont également soucieux de l’environnement, les packagings écologiques sont donc très en vogue. Les marques qui soulignent leur engagement envers la durabilité attirent des consommateurs conscients de l’impact environnemental de leurs choix.  

Parmi les styles d’emballage à la mode, on retrouve aussi les conceptions de packagings anciens ou inspirés du passé jouant sur la nostalgie. Ces conceptions sont ancrées dans le présent tout en donnant aux produits une touche vintage.  

Enfin, les marques utilisent également de plus en plus la personnalisation. Cela permet d’offrir à leurs clients un sentiment d’unicité. Cela peut inclure des packagings personnalisés avec leur nom, des messages ou des illustrations uniques, renforçant ainsi la relation entre la marque et le client. 

Le design d’emballage est un élément essentiel de la stratégie marketing des marques, car il donne aux consommateurs la possibilité de créer une expérience visuelle et émotionnelle. Il va bien au-delà de l’apparence pour inclure la fonctionnalité, la communication de la marque et l’impact environnemental. Sur le marché d’aujourd’hui, les entreprises qui réussissent à combiner ces éléments de manière équilibrée sont celles qui se démarquent. Pour résumer, le design de packaging est plus qu’un simple contenant ; c’est un outil puissant pour transmettre des histoires, susciter des sentiments et établir un lien avec les clients de manière durable. Il peut faire la différence entre un produit choisi et un produit ignoré dans un monde où il y a pléthore de possibilité. Ainsi, pour rester pertinentes sur un marché très concurrentiel, les marques doivent examiner attentivement cet aspect de leur image et suivre les tendances actuelles. 

L’EFET STUDIO CRÉA se distingue par sa formation de haute qualité dans le domaine du design graphique et numérique, offrant ainsi à ses étudiants les compétences et les connaissances nécessaires pour excelles dans le monde exigeant du design de packaging, où chaque détail compte.  

Les logos sont bien plus que de simples images. Ils sont des éléments cruciaux de la communication visuelle, jouant un rôle central dans l’identité de marque, la reconnaissance, et la crédibilité. Regardons plus en détail pourquoi les logos sont si essentiels pour les entreprises et les organisations. 

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L’identité de marque en un symbole 

Un logo est bien plus qu’un simple dessin. Il incarne l’âme d’une entreprise ou d’une organisation, exprimant sa mission, ses valeurs et son histoire de manière concise et puissante. Il crée une personnalité distinctive, différenciant la marque de ses concurrents. En un coup d’œil, un logo peut évoquer des sentiments, des expériences et des associations qui sont au cœur de l’entreprise. Il est le premier point de contact visuel entre une entreprise et son public, établissant une première impression qui peut durer longtemps.

La reconnaissance instantanée 

Les logos sont créés pour rester en mémoire. Ils permettent au public de les identifier rapidement, qu’il s’agisse d’un produit, d’un magasin ou d’un site Web. Une conception bien pensée permet de communiquer rapidement des informations importantes. Un logo bien conçu doit être distinctif et unique pour se différencier des autres. Il doit être immédiatement lié à la marque et avoir une impression durable sur le public.

 La crédibilité renforcée 

Un logo professionnel donne à l’entreprise plus de crédibilité. Il démontre que l’entreprise est sérieuse, soucieuse de son image et engagée dans une démarche de qualité. À l’inverse, un logo amateur ou l’absence de logo peut démontrer que l’entreprise n’est pas professionnelle ou pas encore très développée. Un logo bien conçu est un moyen important de gagner la confiance du public. Il peut renforcer la crédibilité de l’entreprise et lui donner une image de fiabilité, ce qui est particulièrement important dans un monde concurrentiel où la confiance du public est un atout important.

Les codes des logos 

Il existe 9 types différents de logo : les pictogrammes, les abstraits, les mascottes, les mots-symboles, les monogrammes, les lettres, les combinaisons, les emblèmes et enfin les dynamiques, qui peuvent évoluer légèrement selon les supports. Un logo peut très bien être une combinaison de plusieurs types. Et chaque famille a ses avantages et ses inconvénients en termes d’utilisation et de mémorisation. 

L’utilisation d’un logo ne se fait pas de manière libre, elle est codifiée. Par exemple, il est possible d’interdire l’utilisation de son logo sur certain type de couleur, ou de définir une version monochrome selon les utilisations ou encore d’imposer une marge autour du logo… Tous ces éléments doivent être regroupés dans une charte graphique afin de permettre aux différents collaborateurs ou partenaires d’être en mesure d’utiliser correctement le logo en toute circonstance.  

Il est également possible d’avoir un logo de base avec une baseline ou le nom de l’entreprise par exemple, mais d’avoir une version simplifiée avec uniquement un symbole ou un dessin. Cela permet de garder une qualité d’image si le logo doit être utilisé sur de petits supports ou juste d’avoir une utilisation plus épurée. 

Dans ce contexte, une école renommée telle que l’EFET STUDIO CRÉA offre une formation de qualité en design graphique et en communication visuelle, permettant aux étudiants de développer les compétences nécessaires pour créer des logos impactants et professionnels tout en comprenant l’importance de ces éléments dans le monde de la communication visuelle. 

En cette rentrée 2023, l’EFET STUDIO CRÉA et l’EFET Photographie, toutes deux membres du Réseau GES, sont fières d’accueillir une nouvelle directrice commune pour les deux écoles, en la personne de Bérengère Dastarac. 

Un parcours riche et varié 

 Bérengère Dastarac incarne l’exigence dans les domaines de la création, de l’enseignement, et de l’entrepreneuriat.   

En effet, son parcours ne se limite pas à l’enseignement. Pendant plus de dix ans, elle a exercé en tant que directrice artistique au sein de plusieurs agences de publicité en Égypte. Cette expérience lui a permis d’acquérir une expertise précieuse dans le domaine de la créativité visuelle. Elle a marqué le monde de la publicité en tant que Directrice de Création chez JWT, et chez McCann au Caire, où elle a géré des équipes créatives pour des clients de renommée internationale.   

Ses talents artistiques se sont également exprimés à travers des expositions et installations dans des galeries d’art du Caire, démontrant sa polyvalence créative. 

Elle s’est ensuite installée en France pour entreprendre un projet innovant dans la diffusion de films rares en partenariat avec l’accélérateur de start-ups EKITO, remportant ainsi le prix de l’Innovation BIZNEXT en 2016. Ses talents de productrice se sont illustrés à travers des films tel que « Winter of Discontent, » qui ont été salués dans des festivals internationaux. 

Elle a été également à l’origine de la création de la plateforme de SVOD « NOWAVE, » une initiative engagée dans la diffusion du cinéma indépendant, témoignant de son engagement envers l’industrie cinématographique. 

Son influence s’étend également dans le domaine du design. Elle a co-fondé le studio de design global Lune Bleue à Toulouse en 2018 avec 28 associés issus des milieux du design, de la recherche et de l’innovation.   

L’éducation comme engagement 

 En 2017, elle a pris les rênes de l’école de création E-artsup Toulouse en tant que Directrice Régionale, après y avoir enseigné. Sous sa direction, les étudiants se sont épanouis dans divers domaines des arts appliqués, allant de la Direction Artistique à la Communication à 360, en passant par le Motion Design, l’Animation 2D/3D, et le Jeu Vidéo.  

En parallèle, Bérengère a enseigné en tant que Chargée de Cours en Dynamique Entrepreneuriale au sein du Master de Design Transdisciplinaire Cultures et Territoires de l’Université Toulouse Jean-Jaurès, et en animant des conférences sur l’entrepreneuriat culturel dans diverses institutions, dont la Toulouse Business School, l’IAE et l’École de Journalisme de Toulouse. 

Avec sa nomination en tant que directrice de l’EFET STUDIO CRÉA et de l’EFET Photographie, Bérengère Dastarac apportera son expertise diversifiée à la formation des étudiants dans ces deux écoles renommées. 

Avec des compétences linguistiques variées, une maîtrise des outils de création, et une compréhension approfondie du design et de la production audiovisuelle, Bérengère Dastarac est une véritable source d’inspiration pour ceux qui cherchent à atteindre l’excellence dans les industries culturelles et créatives. Son parcours professionnel illustre la puissance de la créativité, de l’innovation, et de l’engagement envers l’éducation pour forger un avenir meilleur à ses étudiants. 

Avec son arrivée à leur tête, l’EFET STUDIO CRÉA et l’EFET Photographie continueront de proposer des formations de qualité et prépareront les étudiants à des carrières florissantes dans le monde du design et de la photographie, tout en restant à la pointe des évolutions technologiques et professionnelles 

L’EFET STUDIO CRÉA a organisé la semaine du 25 au 29 septembre un workshop en collaboration avec la marque Veepee, pour ses étudiants en 2e année de Design Graphique & Numérique. Le professeur en charge de cette semaine était Mathieu Merson, product designer chez Veepee depuis 2 ans.  

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La marque Veepee 

Veepee, anciennement connu comme Vente-privée, est une entreprise française de commerce en ligne. 

En 2001, ce site de ventes évènementielles est créé par Jacques-Antoine Granjon et ses 7 associés. Le but était de vendre une sélection d’articles de grandes marques à des prix très avantageux. Grâce à son service de très bonne qualité, Vente-privée connaît un grand succès et devient une marque de grande renommée en à peu près 15 ans.  

A ses débuts, le site proposait principalement du prêt-à–porter, puis s’est petit à petit élargi pour proposer des services de différents domaines : high-tech, accessoires de mode, billetterie ou encore voyage. 

Le workshop 

Pour Mathieu Merson, l’objectif de cette semaine de travail est de découvrir la réalité d’un projet d’envergure :« Ce workshop est en partenariat avec la business unit Voyage de chez Veepee, il a pour but de faire travailler les étudiants sur un cas concret mêlant expérience utilisateur, design graphique et intelligence artificielle. » 

Pour les étudiants, c’était l’occasion d’expérimenter et d’approfondir leurs connaissances sur différents aspects : « Pendant le workshop, on a réalisé une variante de Veepee Voyage avec une expérience utilisateur beaucoup plus accessible en utilisant une IA. Durant ce workshop, j’ai approfondi mes connaissances, notamment avec l’application Figma grâce aux prototypes et aux variantes qu’on pouvait faire sur cette application. J’ai apprécié ce workshop, car cela nous apporte une expérience beaucoup plus concrète dans le métier. » explique Dorian Bertrand. 

Pour d’autres, c’est le côté travail de groupe qui a été formateur : « J’ai beaucoup apprécié ce workshop, j’ai beaucoup aimé travailler en équipe et mettre nos idées en commun pour former une réponse à notre problématique qui soit réelle » confie Anelyne Cirak. 

 Emi Girard ajoute : « On a appris à coordonner nos idées en groupe, à travailler pour une entreprise plutôt que pour un projet d’école. On a appris à répondre à une problématique posée par la marque. ». 

Des étudiants du campus de l’EFET STUCIO CRÉA Lyon ont également participé à ce workshop. 

Les gagnants  

Mattieu Merson est très fier des groupes qui ont remporté cette semaine challengeante :  

« En première place nous retrouvons le groupe Custom Made (Jeanne Gautreau, Nayoun Kim, Caroline Tang et Anna Vandelli), récompensé pour son parcours complet, avec plusieurs idées intéressantes (comme l’achat en groupe) et dont la faisabilité réaliste a été prise en compte. Ils ont compris le besoin et sont allés jusqu’au détail du prix barré dans leur présentation.

Cependant, le jury a décerné une mention spéciale pour le groupe LLA (LaysaKezzim, Adeline Duragrin et Lory Mazmanian). Ce projet, avec un état des lieux solide en introduction, a été soutenu d’une manière affirmée, proposant un parcours intéressant sur un support « avant-gardiste » et une nouvelle manière de naviguer et de se projeter plus immersive, avec un contenu enrichi grâce à la plongée dans la découverte de lieux en vue 360°. ». 

Cette collaboration avec la marque Veepee a été très apprécié par les étudiants qui ont fourni des travaux remarquables. L’EFET STUDIO CRÉA met en avant ce type d’apprentissage plus concret afin que les étudiants mettent en pratique les notions théoriques acquises en cours. Se former au sein de notre école, c’est acquérir une bonne expertise avant même de rentrer dans le marché du travail. 

Charlotte Perriand, née en 1903 à Paris et décédée en 1999, est une architecte et designeuse française. Née d’une mère couturière et d’un père tailleur, celle-ci développe ainsi très jeune son esprit créatif.  

©Jean-Pierre Dalbéra

Une ascension créative fulgurante 

Charlotte Perriand intègre l’École de l’union centrale des Arts décoratifs de Paris de 1920 à 1925. Suite à cette formation, elle peut exercer en tant qu’architecte et designeuse, elle va donc décider d’ouvrir sa propre société de design d’intérieur. Elle dirigera son entreprise pendant 10 ans.  

À l’âge de 24 ans, Perriand se fait connaître en exposant son Bar sous le toit au salon d’Automne de Paris. Elle y présentait une banquette en acier chromé, confectionnée spécialement pour son appartement-atelier, rue Saint-Sulpice à Paris. 

Cette exposition ainsi que sa passion pour le mobilier intérieur, l’amènent à travailler avec les grands noms de l’architecture de l’époque comme Le Corbustier et Pierre Janner et de 1920 à 1930. Cette collaboration sera à l’origine de la création de pièces emblématiques comme la chaise longue B306 ou encore le fauteuil Grand Confort.  

En 1929, elle fonde l’Union des Artistes Modernes (l’UAM) aux côtés de René Herbst, Pierre Chareau, Robert Mallet Stevens ou encore Eileen Gray. L’objectif de ce mouvement était de promouvoir l’art moderne, de mettre en avant la fonctionnalité, la simplicité et l’efficacité dans l’art et le design. Ainsi, Charlotte Perriand entreprend de réelles recherches sur l’habitat minimum, préoccupation majeure des architectes et designer de l’entre-deux-guerres. 

Un art inspiré par son environnement 

Dans les années 1940, c’est à l’autre bout du monde, au Japon, qu’elle développe ses compétences de designer. Elle est nommée conseillère en art industriel au Japon. Ses créations seront ainsi fortement influencées par l’esthétique nippone. Elle travaillera avec des matériaux typiquement asiatiques comme le bois, la paille ou encore le bambou. En mars 1941, elle présente l’exposition « Contribution à l’équipement intérieur de l’habitation au Japon ». 

Elle part de Tokyo pour rentrer en France en 1946. Cependant, elle y retournera en 1955 pour l’exposition « synthèse des arts » au grand magasin de Takashiyama. Au cours de cette exposition, elle réalisera sa chaise longue en bambou, de manière artisanale. Ses voyages au Japon vont aussi inspirer sa collection d’étagères « Nuage ». Il s’agit très certainement de périodes qui lui ont beaucoup apporté professionnellement en insufflant une certaine simplicité et un raffinement à ses travaux. 

Originaire de Savoie et passionnée de la montagne, la designeuse est amenée en 1967, à participer à la création de la station des Arcs en Savoie en tant qu’architecte et urbaniste. Cette collaboration s’achèvera en 1989, elle aura donc duré plus de 20 ans.  

Charlotte Perriaud est une créatrice avec une carrière complète et impressionnante. On peut compter plus d’une dizaine de réalisations majeures à son actif. Elle s’éteint en octobre 1999, à l’âge de 96 ans.  

L’EFET STUDIO CRÉA, grande école de design basée à Paris, enseignent des notions fondamentales sur le design et l’architecture d’intérieur, à ses étudiants. S’y former, c’est aussi en apprendre davantage sur les grands noms de design et sur la nécessité de s’adapter à son environnement dans le processus créatif. Les enseignants y sont très pédagogues et mettent toute leur expertise à disposition des étudiants et professionnels de demain.  

Une nécropole est un vaste cimetière comprenant des monuments funéraires, elle peut dater de la préhistoire ou encore de l’Antiquité. La nécropole de Gizeh, dans Le Caire, capitale égyptienne, abrite la Pyramide de Khéops, de Khéphren et de Mykérinos sur son plateau. Ces trois pyramides, réels emblèmes de l’Egypte antique, attirent chaque année plus de 14 millions de visiteurs de par leur splendeur, histoire et richesse culturelle. Elles sont inscrites au Patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 1979. Zoom sur l’histoire et l’architecture de ces majestueuses constructions qui existent depuis toujours !  

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Les Pyramides vieilles de 40 siècles

Ces vestiges de l’Ancien Empire égyptien ont commencé à être construits il y a 4500 ans. La plus ancienne est celle du pharaon Khéops, elle a vu le jour vers 2550 av J.C. Son fils, le pharaon Khéphren, a construit la sienne en 2520 av J.C. Cette dernière va de pair avec le Sphinx : un monument en calcaire avec un corps de lion et une tête de pharaon. Plus petite que les deux autres, la pyramide du pharaon Mykérinos, est la dernière à avoir été érigée, en 2490 av J.C exactement.  

L’Egypte a été le premier pays à construire des pyramides. Pour savoir pourquoi les tombeaux égyptiens avaient cette forme pyramidale, il faut comprendre l’évolution naturelle d’un tombeau traditionnel. Ce dernier appelé « mastaba » n’était autre qu’une construction rectangulaire faite de pierre. Les mastabas des pharaons étaient construits différemment des autres : un peu plus grand au fur et à mesure du temps, et de forme pyramidale. Les Pyramides de Gizeh font partie de la quatrième génération de tombeaux royaux, elles sont à faces lisses.  

Un mystère architectural 

Encore aujourd’hui, le mode de construction des Pyramides de Gizeh reste un mystère pour les scientifiques.  

Cependant, selon un article du Figaro parut en 2018, une équipe d’égyptologues (archéologues spécialisés dans les antiquités égyptiennes) franco-anglaise, semble avoir décelé une technique de construction des Pyramides. Les Égyptiens utilisaient une technologie qui jusque-là était restée inconnue : les blocs de calcaire étaient transportés sur une pente très raide, à 20 % d’inclinaison. Ces découvertes ont pris place dans le cadre de la mission d’Hatnoub (organisée par l’Institut français d’archéologie orientale et Université de Liverpool), dirigé par Yannis Gourdon et Roland Enmarch. 

Le graffiti, cet art de rue longtemps associé aux actes de vandalisme, a connu une grande évolution, aux fils des décennies. En effet, de nos jours, il est très courant de voir ces dessins et inscriptions fait à main levée sur toutes sortes de murs, bâtiments et même monuments. Intéressons-nous à l’évolution du graffiti, qui s’inscrit plus largement dans le mouvement du Street Art. 

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L’histoire du graffiti

Étymologiquement, le mot « graffiti » est un mot italien, qui lui-même dérive du nom latin « graphim » signifiant « éraflure ». 

Bien que cette forme d’expression existe depuis très longtemps, c’est Philadelphie, une ville du nord-est des Etats-Unis, qui est connue pour être le berceau du graffiti moderne.  

Pour comprendre ses origines, il faut remonter aux années 60et se pencher sur l’histoire d’amour de Cornbread. Considéré comme « Le parrain du Graffiti », cet artiste aurait peint son tag un peu partout dans la ville de Philadelphia, dans le but de témoigner son amour et d’attirer l’attention de sa bien-aimée. À l’époque, cet épisode a été grandement médiatisé en raison des lieux insolites qu’il choisissait : il avait même réussi à inscrire son nom sur une des ailes du Jet privé des Jackson 5 ! 

Au début des années 70, cet art débarque à New York avec le développement des transports ferroviaires. Les wagons de métro deviennent très vite les lieux les plus prisés par les amateurs de graffiti. Assez rapidement, cette pratique se repend dans la ville où les constructions en béton se faisaient de plus en plus nombreuses. Quelques artistes New-Yorkais se sont fait connaitre par ce mouvement artistique : Keith Haring, Steven Ogburn ou encore Blade One.  

Le début de la commercialisation des bombes de peinture a aussi joué dans la popularisation du graffiti à travers le pays. De plus, certains styles musicaux comme le jazz, le swing et bien évidemment le rap, ont eu une grande influence sur la pratique de ce Street Art. Et cette activité à l’origine américaine, va rapidement se répandre dans le reste du monde.  

Le graffiti et le Street Art en France 

En France, les premiers graffiti arrivent durant les années 80. Il s’agit d’un moyen, pour les jeunes défavorisés d’exprimer leur désarroi lié aux difficultés sociales qu’ils traversent. Blek le rat et Jérôme Mesnager sont connus pour être les pionniers du Street Art en France. 

La capitale française devient rapidement l’une des villes les plus célèbres en termes de Street Art. Les quartiers de Belleville et de Ménilmontant, dans le 20ème arrondissement, sont bien connus pour leurs rues ornées par des peintures en tous genres.  

Dans le 11èmearrondissement, rue Oberkampf, se trouve un mur dédié au Street Art. Celui-ci appartient à l’association Le M.U.R, qui invite tous les quinze jours un nouvel artiste à venir peindre sur le mur. Il s’agit là d’une initiative donnant sa chance à un maximum d’artistes et apportant de la diversité dans les œuvres affichées. L’EFET STUDIO CRÉA a notamment organisé un workshop en partenariat avec l’association. Les étudiants devaient donner vie à des œuvres de Street Art notamment au travers de procédés de réalité augmentée. 

L’EFET STUDIO CRÉA, grande école basée sur Paris, propose un cursus de Bac à Bac+5, sur le design graphique et numérique. Afin de faire découvrir l’art du graffiti, mais aussi sa pédagogie, l’établissement organise une journée d’immersion ouverte à tous. Elle aura lieu le 3 novembre prochain, n’hésitez pas à vous inscrire dès maintenant !  

Le temple Angkor Wat, situé au Cambodge, est le plus vaste temple et monument religieux du monde. D’une superficie de 163 hectares, ce temple est l’un des sites archéologiques les plus spectaculaires et fascinants qu’il puisse exister. Il a été construit au XIIe siècle sous les ordres du roi khmer Suryavarman II à Yasodharapura (Angkor actuel). Angkor est une ville qui comprend de nombreux temples, structures hydrauliques et routes de communication. Découvrons ce temple imprégné du style classique de l’architecture khmère.  

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Un passé fascinant  

En plus d’être vaste et impressionnant, Angkor Wat est un temple qui n’a cessé d’être utilisé depuis sa construction au XIIe siècle. À ce jour, les bâtisseurs de ce site légendaires restent méconnus. Nous savons cependant qu’il a été construit par le roi Suryavarman II, lui-même conseillé par son mentor spirituel Divakarapandita. La construction aurait débuté en 1113, dès lors que le roi est monté sur le trône. Les prises de positions royales n’étaient pas des plus calmes au sein de l’empire Khmer : c’est en tuant son grand-oncle que Suryavarman II aurait imposé son règne. 

Lorsque l’on évoque un nouveau règne dans la culture cambodgienne, chacun d’eux marque un commencement : chaque nouveau roi était amené à construire de nouveaux temples, élargissant toujours un peu plus les frontières de la ville. Il s’agissait, bien évidemment, d’un moyen d’affirmer leur puissance royale, mais aussi d’anticiper l’emplacement de leur dépouille, une fois décédé.  

Initialement, le temple était dédié au dieu hindou Vishnou mais au fur et à mesure, il s’est vu être dédié aux pratiques bouddhistes. Contrairement à de nombreux autres temples d’Angkor, Angkor Wat est dirigé vers l’ouest. Certains spécialistes estiment qu’il s’agissait en fait d’un moyen de rendre hommage à Vishnou. 

Les temples khmers, sont une représentation du Mont Méru, la demeure des dieux hindouistes. Les 5 temples principaux, Bayon, Ta Prohm, Ta Keo, Banteay Srei et Angkor Wat, symbolisent les cinq pics du Mont Meru. La chaîne de montagnes qui encercle ce mont est représenté par les enceintes autour du temple. Les douves entourant les temples seraient, quant à eux, comparables à l’océan cosmique séparant le monde des dieux de celui des hommes. 

Angkor Wat: un joyau de l’architecture khmer 

Angkor Wat ainsi que les autres temples de la ville, reflètent le style d’architecture khmer, originaire du Cambodge. Ce genre architectural s’inspire des temples hindous en Inde. Les matériaux utilisés étaient, dans un premier temps, des briques, puis à partir du Xe siècle, étaient utilisés principalement des grès de différentes couleurs ainsi que de la latérite (pierre faite à partir d’argile).La construction a nécessité une patience et des efforts titanesques : les pierres de grès étaient acheminées depuis une carrière située à une vingtaine de kilomètres, puis il fallait les ériger afin de concevoir ces temples à l’architecture très travaillée. Les pierres du temple sont au nombre de6 à 10 millions, chacune pesant en moyenne 1,5 tonne. Angkor Wat et ses douves recouvrent une superficie de 1,3 x 1,5 km. 

Le temple est une fusion entre les deux caractéristiques principales de l’architecture khmer : le temple-montagne et le temple à la galerie. À cela, s’ajoute une structure clé : le « Jagati », une plateforme surélevée, servant de base de construction sur laquelle les temples hindous et bouddhistes sont construits.  

La ville d’Angkor compte plus de pierre que toutes les pyramides égyptiennes réunies.  Elle est même plus vaste que le Paris moderne. On estime, que ce sont sûrement de grands architectes d’Asie du Sud-Est qui ont dû construire et gérer ces temples. 

Le temple d’Angkor Wat est l’un des nombreux joyaux architecturaux du monde. Ces monuments incroyables nous permettent d’en apprendre plus sur les styles architecturaux des plus anciens aux plus récents en passant par les plus extravagants. Se former en architecture est également un moyen d’acquérir une expertise certaine dans ce domaine.  

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